Созерцание «Ненюфар» и другие настроения Догадинки
Необычный фотопроект в Картинной галерее
Созерцание «Ненюфар». Вдохновение «Поэзии». Погружение в «Ночь»… Сегодня мы покажем вам несколько знаковых картин из собрания Догадинки, вызывающих разные чувства и переживания. Мы увидим их не только на полотнах, но и на лицах прекрасных сотрудников Астраханской картинной галереи. Недаром их называют проводниками в мир искусства! Недаром они говорят, что у каждой картины есть душа…
Фотопроект «Настроения Догадинки» команда AstraKult был создан в начале этого года и посвящен Всемирному дню экскурсовода. 21 февраля этот праздник отмечают все те, кто хорошо знает: «Искусство вечно», «Подробности – Бог!», а «Главное – быть услышанным». Кто живет по принципу «Пойдем за мной – там будет интересно!».
Так пойдемте за нами! На встречу с новым и удивительным!
Созерцание «Ненюфар»
Исаак Левитан, создатель «пейзажа настроения», воспевал в своих картинах красоту и тихое очарование природы, всю ее глубину, и будто отражал в видах природы человеческие эмоции и чувства. В числе его шедевров – картина «Ненюфары», одна из 15 левитановских произведений в собрании Догадинки. Полотно поступило в Астраханскую картинную галерею из собрания Государственной Третьяковской галереи в 1927 году, уже после смерти основателя музея Павла Догадина, который еще до возникновения художественного музея в Астрахани приобрел в свою частную коллекцию 11 работ живописца.
Поверхность водоема с водяными лилиями – центральным образом картины – написана будто при взгляде сверху вниз, из лодки. Поэтому горизонт оказывается за пределами холста. Крупные листья и лилии, похожие на аппликацию, лежат на водной глади, отделяя воздушное пространство от глубины водоема. Художник мастерски передал прозрачность воды, в которой видны уходящие вглубь водоросли.
Искусствоведы считают, что в картине «Ненюфары» будто соединились два жанра: пейзажа и натюрморта. Возможно, в этом ее неповторимость.
Вдохновение «Поэзии»
Исследователи творчества Бориса Михайловича характеризуют картину «Поэзия» как «совершенно „некустодиевского“ Кустодиева». Полотно разительно отличается от произведений на тему крестьянской и купеческой жизни, которыми прославился художник.
«Поэзию» Кустодиев написал по заказу Отто Виблингера – австрийца, проживавшего в начале XX века в Астрахани и собиравшего здесь свою частную коллекцию произведений искусства. «Со своей стороны прибавляю, что я только симпатизирую красивому художеству, люблю жизнерадостные сюжеты, живые тоны в красках и надеюсь вполне от Вас получить то, что я люблю и чему радуюсь…», — писал Виблингер художнику.
Кустодиев выбрал для работы «венецианский» мотив, стилизовал костюмы героев — декламирующего Поэта и восхищенной Музы — под одеяния эпохи Возрождения. «Поэзию» художник написал светлыми, яркими красками, что соответствовало пожеланию заказчика.
Погружение в «Ночь»
«Лунная ночь на Днепре» (1880) – одна из самых известных картин пейзажиста Архипа Куинджи, хранящаяся в Государственном Русском музее. После создания пейзаж был представлен на выставке одной картины, успех которой превзошёл все ожидания и превратился в настоящую сенсацию. Чтобы попасть на выставку, люди выстраивались в длинные очереди. Некоторые зрители часами стояли перед картиной, как завороженные, а некоторые уходили в слезах. Кто-то даже пытался заглянуть за картину, чтобы найти там фонарь или лампу, подсвечивающую холст сзади. Но лампы не оказывалось, а луна продолжала излучать свой завораживающий, таинственный свет…
Создав в картине особый колорит и сочетая цвета, усиливающие друг друга, художник с большим мастерством добился невероятного эффекта иллюзии лунного света. При написании имел место и экспериментальный подход. Куинджи применял битумные краски, однако фосфором или какими-либо ухищрениями не пользовался, как думали некоторые придирчивые зрители.
Считается, что местность, которую Куинджи изобразил на картине, он увидел в 1870-х годах, когда возвращался из заграничной поездки в Мариуполь. Живописец создавал полотно по памяти в своей мастерской на Малом проспекте на Васильевском острове в Санкт-Петербурге.
В Астраханской картинной галерее хранится авторский вариант этого произведения, ранее принадлежавший московскому коллекционеру Николаю Гучкову. Из года в год астраханцы и гости города продолжают испытывать восхищение, «погружаясь» в «Ночь на Днепре».
Две судьбы «За Волгой»
Картину «За Волгой» написал в 1905 году известный русский художник Михаил Нестеров. На берегу великой русской реки изображены две фигуры, две судьбы: уверенный в себе мужчина, будто возвышающийся над пейзажем, и молодая женщина, во взгляде которой смирение. С мастерством тонкого психолога художник точно передал внутреннее состояние своих героев. А закатный пейзаж только подчеркивает состояние расстающихся человеческих душ, будто отрешенных от мира под ними. Эта картина была приобретена основателем галереи Павлом Догадиным у самого художника.
Работа Нестерова словно философское бытописание: здесь не только две судьбы, не соединившиеся в одну, но и два взгляда на новый, пришедший с новым XX веком мир. Смиренная молодая женщина, грустью своею сливающаяся с гладью родной реки и холмистых берегов, словно растворяющаяся в природе, и герой – с гордо поднятой головой, крепко стоящий на ногах, уверенно смотрящий вперед. Его река – это пространство для движения барж и пароходов, его природа – заволжские земли, которые нужно осваивать. Для женщины же Волга – олицетворение русской души. Таким образом, эта картина – своеобразный рассказ-размышление о человеческом бытии, месте природы в установлении духовного миропорядка.
Эстетика «Женского портрета»
Валентина Ходасевич – известный советский живописец, театральный художник и график. В 1910-е годы молодая художница демонстрировала свои работы на выставках «Союза молодёжи» и других творческих объединений. На портрете 1918 года, который находится в собрании Догадинки, изображена Нина Серпинская – известная в богемных кругах Петрограда и Москвы поэтесса и художница.
Серпинская была представителем левого крыла художников, посещала общество «Свободная эстетика», представляла свои работы на выставки Профессионального Союза художников. Именно на одном из вечеров общества «Свободная эстетика» в 1913 году и состоялось знакомство Валентины Ходасевич и Нины Серпинской. В своих мемуарах «Флирт с жизнью» Нина Серпинская описала историю создания этого портрета. Она вспомнила, что для работы над портретом Ходасевич арендовала комнату в доходном доме на Кудринской площади. Комната не отапливалась, поэтому Серпинская могла позировать в лёгком платье всего лишь несколько минут, а потом вновь куталась в шубу. Также в мемуарах Нина Серпинская упомянула и факт передачи портрета в Астраханскую галерею. Сегодня этот портрет является одним из значительных произведений в собрании русского авангарда картинной галереи.
Вихри «Метельщика»
Небольшая по формату и сдержанная по колориту работа является одним из блистательных творений Марка Шагала из «витебской серии». Своеобразие «Метельщика» (1914) заключается в гениальной простоте и в шагаловском сочетании реального и космического: повседневный образ уличного дворника превращается в существо, творящее «вихри» судьбы.
Со свойственной ему парадоксальностью художник поворачивает героя спиной к зрителю, словно предлагая домыслить, дорисовать образ.
Что отражает невидимое лицо Метельщика? Может быть, скорбное ожидание перемен, которые несет Первая мировая война, наполняющая все страхом и лишениями? Или замысел Шагала в том, что на лице героя нет переживаний, лишь бесстрастное выполнение некой миссии?
Величественность Императрицы
Одним из значимых произведений в собрании Астраханской картинной галереи является портрет императрицы Елизаветы Петровны, выполненный неизвестным художником XVIII века с работы французского живописца Луи Каравака. Портрет поступил в картинную галерею в 1918 году из клуба Астраханского дворянского собрания. Он выполнен в традициях европейского парадного портрета.
Императрица изображена в коронационном платье с атрибутами царской власти. В правой руке она держит скипетр, рядом на бархатной подушечке лежит держава. Величественный и возвышенный вид Елизаветы вместе со снисходительный взглядом, кажется, говорят зрителям сквозь столетия: «L’etat c’est moi», что значит «Государство – это я».
На портрете мы видим самодержицу, достойную продолжательницу славных дел своего отца. Её восшествие на российский престол было встречено с ликованием, так как ознаменовало собой окончание жёстких кровопролитных лет бироновщины. «Мы славу дщери зрим Петровой. Зарёй торжеств светящу новой», – восторженно написал Михаил Ломоносов в день коронации императрицы.
Беспредметность автопортрета Клюна
Кубофутуристический «Автопортрет с пилой» Ивана Клюна является третьим в ряду его экспериментальных портретов, начатого его единомышленником и другом Казимиром Малевичем. На первом портрете Малевич ассоциирует Клюна с иконописным ликом и крестьянской лубочной картинкой. Второй «Усовершенствованный портрет Клюна» (1913) написан уже в стиле кубизма.
Клюн продолжает начатую Малевичем тему, делая собственный облик предметом пластического эксперимента. Он сначала «раскладывает» лицо на плоскости, затем вновь собирает в синтетическую композицию. Это коллаж с геометрическими фигурами, плоскостями «под дерево» и рассекающими композицию прозрачными плоскостями, вместе с которыми можно увидеть черты лица, отдаленно напоминающие человеческие. Интересно, что во время работы над автопортретом Клюн обращался не только к живописному коллажу, но и к использованию в картинах реальных дощечек, фаянса, проволоки. Впечатляет и колорит «Автопортрета» – чередования оранжевого, коричневого, охры, серого, фиолетового цветов…
Сотрудники Догадинки после фотосессии и в ожидании новых экскурсий
